Félix Ayurnamat
SUEÑOS Y DELIRIOS
1° Exposición colectiva internacional
Hay imágenes que no nacen de la consciencia. Surgen en un territorio donde la lógica pierde su autoridad y la mente se desplaza sin mapas, enlazando fragmentos, deformando lo conocido, inventando lo imposible. Los sueños y los delirios no son simples desvíos de la razón: son formas de conocimiento que operan desde lo profundo, allí donde el pensamiento se vuelve imagen antes de volverse palabra.
Esta exposición parte de esa inquietud, de ese umbral inestable. Las obras seleccionadas no buscan describir la realidad, sino trastocarla. En ellas, los cuerpos se fragmentan, los espacios se pliegan, las narraciones se interrumpen o se bifurcan. Lo cotidiano se vuelve extraño; lo extraño, íntimo. No hay jerarquías claras entre lo real y lo imaginado, porque ambos se entrelazan en una misma corriente visual que desafía la coherencia habitual.
El subconsciente actúa aquí como una fuente activa de creación. No es un depósito pasivo de recuerdos, sino un campo dinámico donde las experiencias, los deseos y los temores se reorganizan constantemente. Los artistas acceden a ese flujo mediante procesos que no siempre son deliberados: el azar, la asociación libre, la intuición. En ese gesto, la obra se convierte en un espacio donde lo reprimido encuentra forma, donde lo indecible se manifiesta sin necesidad de explicarse.
Los sueños, con su capacidad de condensar múltiples sentidos en una sola imagen, aparecen como estructuras abiertas. Las pesadillas, en cambio, revelan tensiones más agudas: aquello que insiste, que no puede resolverse, que retorna. Ambas dimensiones, la ensoñación y el desasosiego, conviven en esta exposición sin excluirse. Más bien se potencian, como si una necesitara de la otra para hacerse visible.
En términos formales, las piezas exploran esa inestabilidad a través de contrastes, desplazamientos y rupturas. Las imágenes no se presentan como superficies cerradas, sino como campos de tránsito donde el espectador debe reorganizar lo que ve. Mirar implica aquí abandonar la expectativa de una lectura única y aceptar la ambigüedad como condición.
SUEÑOS Y DELIRIOS no busca interpretar el subconsciente, sino experimentarlo. Nos conduce a ver que, en ese territorio aparentemente caótico, se encuentran también las claves de nuestra sensibilidad. Porque lo que emerge en la noche, en el sueño, en la fantasía, en la perturbación, no es ajeno a lo que somos, sino una extensión de aquello que, durante el día, apenas logramos contener.
Félix Ayurnamat
ARTISTAS
Aylin Coşkun
Carlos H. Murillo
Christian de la Huerta
Evelyn Escobar
Francisco Hernández
Froilan Cosme Huanca
Jorge Torrealta
José Vázquez
Maciej Rękosiewicz
Mario Membreño
Nasta Martyn
Oscar Fuertes García
Raúl Mejía Moreno
Aylin Coşkun
Türkiye
Dr. Aylin Coşkun is a Turkish printmaker based in Manisa, Turkey. She works primarily with woodcut and reduction woodcut techniques, exploring the expressive possibilities of printmaking through texture, form, and layered visual structures. Her artistic practice focuses on the material qualities of the woodcut process and the dynamic relationship between carved surfaces, color layers, and spatial composition.
In her works, Coşkun often combines figurative and architectural elements with expressive carving marks, creating compositions that emphasize both structure and spontaneity. The physical act of carving plays a central role in her practice, transforming the wood surface into a field of lines, contrasts, and rhythmic textures.
Through the reduction woodcut technique, she investigates the irreversible and time-based nature of printmaking, where each stage of carving reshapes the final image. Dr. Coşkun has participated in various national and international exhibitions and continues her artistic practice in her studio.
Faces
Woodcut print
1/6
20 x 20 cm
2023
Dream
Woodcut print
2/7
50 x 70 cm
2024
Nightmare
Woodcut print,2024
1/7
20 x 20 cm
Carlos H. Murillo
Colombia
Artista plástico de formación autodidacta con más de cinco décadas de evolución creativa. Mi obra se caracteriza por una exploración que transita entre el surrealismo y la figuración contemporánea, habiendo sido expuesta en escenarios de Grecia, Suiza, Italia, España, Chile y Colombia. Cuento con una sólida trayectoria como docente de artes y curador institucional, liderando espacios de formación y exhibición en la Universidad Libre Seccional Cali.
Email: carlosart5@hotmail.com
Redes: Instagram: @carloshm__art | Facebook: murillopintorartistico1
Ouroburos
Año: 2025
Técnica: Acrílico fluido y óleo sobre lienzo
Dimensiones: 80 × 60 cm
Soporte: Lienzo
Estilo: Expresionismo simbólico contemporáneo
Tema: Dualidad del ser, ciclo vital, identidad y sombra interior
Colección: Privada
TEXTO CURATORIAL
Ouroburos propone una reflexión profunda sobre la condición humana a través del símbolo ancestral de la serpiente que se devora a sí misma: metáfora del eterno retorno, del nacimiento contenido en la muerte y de la transformación constante del ser.
Carlos Murillo articula esta narrativa mediante un poderoso autorretrato central, confrontado con su propia silueta oscura, recurso visual que evoca la sombra interior que acompaña toda experiencia humana. Esta dualidad —presencia y ausencia, conciencia e inconsciente— se despliega en un entramado cromático vibrante, donde el acrílico fluido aporta espontaneidad gestual y el óleo consolida la estructura emocional de la obra.
El rostro realista, suspendido en un torbellino de geometrías, color y materia, funciona como eje temporal entre pasado y futuro, mientras que la figura abstracta, de rasgos fragmentados y mirada penetrante, representa los estados cambiantes del alma. El diálogo entre ambas presencias sugiere un tránsito permanente entre identidad, memoria y devenir.
La composición circular refuerza la noción de ciclo, atrapando al espectador en un movimiento continuo que recuerda que toda vida es proceso, toda transformación implica pérdida, y toda sombra es inseparable de la luz.
Ouroburos no es solo una obra introspectiva; es una cartografía emocional del tiempo humano, donde el artista se reconoce como sujeto y objeto de su propia evolución.
Carlos Humberto Murillo. Herrera.
Christian de la Huerta
Nací en la Ciudad de México en 1981, comencé a tomar la cámara en el 2002, años más tarde debido al interés por diversas formas artísticas, me acerqué principalmente a la pintura, el cine y la literatura. Considero que el núcleo de las fotografías que tomo, lo que me mueve o me motiva, es el significado interior que cada tema representa para mí. No considero que mi trabajo pertenezca a series, no es mi intención, ya que tengo diferentes gustos e intereses, sin embargo, hay temas que convergen, principalmente la fotografía documental, los sueños, fotografía de calle.
Enlace
Instagram: @delahuertaphoto
Campo Santo 3
Técnica: Fotografía doble exposición análoga
Medida: 11 x 14 pulgadas
Evelyn Escobar
México
El arte de Evelyn Escobar ofrece una mirada vívida a sus coloridos recuerdos y experiencias de infancia. Más allá de explorar la esencia de ser niño, su trabajo presenta un mundo imaginario donde los sueños navegan a través de la vida de cada persona, liberándolas y permitiéndoles disfrutar cada momento. Escobar ve la infancia como un tiempo libre de restricciones sociales, donde la formalidad se desvanece y podemos saborear el presente sin los pensamientos prejuiciosos que la sociedad suele imponer. En su lugar, enfatiza la espontaneidad como un acto creativo.
Cada una de sus creaciones es una ventana hacia la devoción y el amor familiar, donde la mirada materna juega un papel central. A través de sutiles detalles y una paleta vibrante, Escobar nos invita a reflexionar sobre el vínculo entre los sujetos representados en sus obras y la riqueza de sus relaciones interpersonales. Su arte no solo documenta estas interacciones, sino que también nos ofrece una perspectiva única, basada en la ternura y la inocencia que caracterizan la visión infantil.
Las nuevas piezas de la artista son un homenaje a la vida familiar, a la inocencia y a la pureza de la niñez. Con un enfoque que resalta la esperanza y la calidez, Escobar crea una experiencia visual que nos conecta con la esencia de la maternidad y nos recuerda la importancia de las relaciones afectivas. Sus pinturas son portales mágicos entre los sueños infantiles y los mundos míticos, habitados por seres de su imaginación personal, creando leyendas e historias de ficción. Esto es lo que ella llama “Aprender a jugar.” En cada pincelada, su trabajo nos invita a redescubrir la sensibilidad y la magia de la infancia desde una perspectiva amorosa y auténtica.
Beso en el Tren
80 x 100 cm
óleo en lienzo
El bosque encantado
80x120 cm
óleo en lienzo
El circo.
100x120 cm
óleo en lienzo
morfeo
80x100 cm
óleo en lienzo
The magician
100x120 cm
óleo en lienzo
Francisco Hernández
Argentina-España
Nace en Navarra España en 1947, en Julio de 1949 llega con sus padres a Buenos Aires. En el Colegio Salesiano descubre el Dibujo y luego en la Escuela de Bellas Artes, y en el Colegio Ward, C. Cultural R. Rojas UBA- y realiza varios Postgrados de Arte Contemporáneo-en la Universidad T. Di Tella, asiste al Taller de Vivian Guggenheim, Luis López y Abel B. Versacci.
Desde 1972 realiza más de 300 expo- Colectivas e Individuales por selección de Jurado, obtiene premios nacionales e internacionales que aquí sería tedioso enumerar. En los últimos 20 años se aboca al dibujo sin dejar otras disciplinas visuales, técnica que registra como “Dibugrafías” únicas en el mundo, que han sido premiadas en el país y en el exterior. Sus Proyectos de Arte en las Escuelas Rurales han sido apoyados por: Beca Fundación Arcor, Beca Fundación Antorchas, Beca Guggenheim N. York, Fundación Navarro Viola, Fundación Poder Ciudadano, Fundación Obra del Padre Mario Pantaleo, Ministerio de Acción Social de la Nación, este año obtuvo el Galardón Magna Lux a las Bellas Artes R. Dominicana y N York, y el 1° Premio Dibujo Salón de Otoño de la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos, en la Universidad Nacional de Buenos Aires UBA Derecho.
Realizó Expo-Individuales en Casa de Cultura de Ramos Mejía, Museo Artemio Aliso, Museo Provincial de la Pampa, Espacio de Arte del Banco Ciudad, Museo Arturo Jauretche, Fundación Bco. Provincia CABA Fundación Obra del Padre Mario – UNLaM. Castillo de Larrés España, Galería Isidoro de Córonel Suárez – Hospital Laura Bonaparte, Museo Comunitario de Azul, Museo López Claro Azul, Yila Ob México DF, Galería Andrómeda 320 México DF, Gijón Reino de Asturias España, Dibujo Arte Polonia, FADLA Artes de Latinoamérica, Museo de Maldonado Punta del Este Uruguay, Arte Informado España- Galardón Magna Lux de la Republica Dominicana entre otros.
Francisco Hernández es un artista visual de tiempo completo, además de su dedicación plena en el taller ha sabido transitar una tríada en donde se potencian a saber: su actividad como Artista Visual, sus escritos sobre Arte Argentino del Siglo xx, y sus proyectos en donde las Artes y la Educación son una herramienta genuina puesta en valor para niños y jóvenes del ámbito rural y urbano, sino también para el desarrollo del Ser Humano integral, cuyos proyectos fueron reconocidos con el Premio Presidencial Escuelas Solidarias en 2005.
Por el Ing. Luis Ángel Guasti
Huellas demenciales
óleo sobre cartón de molde
130 x 130 cm
Muñeca brava
óleo sobre cartón de molde
150 x 130 cm
Froilan Cosme
Bolivia
@froilancosme
Facebook: Froilan Cosme
Poco a poco siento que estoy petrificándome
Técnica: pastel/papel
Medidas: 1mt x 70cm
Jorge Torrealta
México
Jorge Torrealta. Licenciado en Lingüística y Literatura Hispánica por la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla. Editor, reportero y docente. Ha colaborado en diversas revistas y antologías literarias nacionales e internacionales. Obtuvo tercer lugar en el XXX Concurso Timón de Oro, organizado por la Marina Armada de México. Ganador del Premio Ariadna de Poesía 2021. Finalista del II Premio Internacional de Poesía Joven "Poeta José Antonio Santana", con su poemario Tarot, entre otros. Es autor de los libros Origen y vida de una gota de lluvia derramada sobre el mar Mediterráneo en una tarde autumnal y Sudario del silencio.
IG: @jorgetorrealta
FLUNK
Técnica: Grano alto, enfoque profundo. Blanco y negro.
Medidas: 4320 x 3240
GÉNESIS
Técnica: Iluminación drámatica lateral y frontal. Blanco y negro.
Medidas: 4200 x 3150
LUZ CENITAL
Técnica: Iluminación cenital, profundidad de campo reducida. Blanco y negro.
Medidas: 4096 x 2473
José Vázquez
Puerto Rico
Artista natural de san juan PR, nacido en 1969, con 12 años de experiencia en el campo de las artes, artista autodidacta, creador de obras abstractas contemporáneas,
Con participación en varias exposiciónes y bienales atrávez de mí carrera artística y siendo así, presidente de la asociación de artistas plasticos de PR.
Actualmente trabajo con la asociación Cayey Cultural Inc.
Enlaces:
Art by Jose Vazquez/Instagram
JV art/Facebook
Bruma Áurea
Tecnica: Acrilico sobre lienzo
Medidas: 24 × 30 cm
Año: 2026
Maciej Rękosiewicz
Polska
Piszę, fotografuję, tworzę, wyrażam siebie w różnych dziedzinach sztuki.
(traducción: Escribo, fotografío, creo, me expreso en diversos campos del arte.)
Rysunek
100x70 cm
Mario Membreño
El Salvador
Alegatorio de una invertibilidad humana
Tamaño: 100 x 100 cm
Tecnica: Acrilico sobre lienzo
Racional
Alegatorio: relativo o perteneciente a la alegación (es decir, a la acción de alegar, presentar argumentos o razones en defensa de algo).
Invertibilidad: Propiedad de ser invertible, de poder cambiarse o revertirse. Se aplica tanto en contextos matemáticos como en usos más filosóficos o metafóricos.
En términos generales, es la capacidad humana para poder invertir una realidad, es una defensa del ser humano del derecho a cambiar, es casi un manifiesto poético sobre la capacidad del ser humano de defender su derecho a transformarse, a revertirse, a reinventarse. Los rostros y las manos entrelazadas parecen alegar, presentar su argumento visual de que la identidad no es fija, sino un flujo invertible, mutable, capaz de girar y recomponerse. El círculo dorado, como fuente de luz, podría ser la metáfora de esa energía que permite la inversión, la metamorfosis.
En conjunto, sobre su universo, por lo que le rodea y por la acción de convivir se despliega esa necesidad de adaptación, a veces imposible, pero se lucha.
Nasta Martyn
Me llamo Nasta Martyn. Soy artista, ilustradora y poeta.
Pájaro
Materiales: tinta, papel para collage
Tamaño: 30x40 cm
Año: 2026
Flores
Materiales: tinta, acrílico, papel
Tamaño: 30x30 cm
Año: 2026
Oscar Fuertes García
España
Formado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco en los años 90, mi camino artístico ha estado marcado por la evolución tecnológica. Durante los últimos 21 años, he desarrollado mi trayectoria profesional entre España y UK, especializándome como artista de personjes y artista 3D para la industria del cine y los videojuegos.
Esta experiencia internacional creando personajes y entornos digitales me ha permitido fusionar la base académica tradicional con las herramientas más avanzadas de la industria actual. Mi trabajo se centra en el estudio de la forma y la narrativa visual, aplicando el rigor técnico del 3D para explorar nuevas expresiones estéticas. Tras dos décadas dando vida a mundos virtuales, esta muestra refleja esa transición constante entre lo digital y lo plástico, buscando siempre un equilibrio entre la técnica y la emoción.
oscar.fgarcia@hotmail.com
https://oscarfg7.wixsite.com/works/oscarfg-resume
https://oscarfg7.wixsite.com/works
Ánima residual
Técnica: Mixta. Modelado digital e impresión 3d en resina, policromía manual.
Medidas: 11,4 (alto) x 9,9 (ancho) x 8,4 (fondo) cm
Raúl Mejía Moreno
Finlandia
Raúl Mejía Moreno es artista plástico y profesor de arte en la Universidad de Pamplona, en la ciudad de Cúcuta, Colombia. Es Maestro en Bellas Artes por la Universidad Nacional de Colombia y Doctor en Pintura por la Universidad Complutense de Madrid, España.
Su trabajo pictórico se desarrolla dentro de una figuración de fuerte dimensión simbólica, donde naturaleza, imaginación y memoria se entrelazan en narrativas visuales que dialogan con diversas tradiciones de la historia del arte. En sus composiciones, lo humano y lo cósmico conviven en espacios poéticos que invitan a la contemplación y al asombro.
A través de una pintura minuciosa y visionaria, Mejía Moreno construye imágenes que expanden la experiencia de la realidad hacia territorios donde lo fantástico, lo espiritual y lo natural se funden en una misma metáfora visual.
Enlaces
Facebook: Raúl Mejía Moreno.
Instagram: raulmejiarts
SEMBRANDO ESTRELLAS
Técnica: Mixta.
Medidas: 35 x 50 cm